1956년 워홀의 초기 작품은 성전환 수술을 받은 후 1950년대에 헤드라인을 장식한 트랜스 여성인 크리스틴 요겐슨(Christine Jorgensen)에게 헌정되었습니다. (Sammlung Froehlich/Andy Warhol Foundation for Visual Arts, Inc./Artists Rights Society(ARS) New York)
에 의해 필립 케니콧 예술 및 건축 평론가 2019년 2월 1일 에 의해 필립 케니콧 예술 및 건축 평론가 2019년 2월 1일
뉴욕 — 우리는 앤디 워홀이 재생산하고 활용한 시각 자료와 함께 사는 것과 거의 같은 방식으로 살고 있습니다. 소비자 제품, 영화 배우 및 뉴스의 광대한 아메리카나입니다. 그는 이 도상학을 예술이라고 주장하고, 그 매혹적인 힘을 활용하고 그것이 순환하는 방식을 모방하려고 했으며, 결국 자신의 예술 대부분은 그가 존경하고 패러디한 상업 문화와 구별할 수 없게 되었습니다. 그것은 어디에나 존재하며, 당신이 그것을 고정하고 이해하려고 하지 않는 한 대부분 보이지 않습니다. 그리고 나서 그것은 이상하고 환상적이며 약간 낯설어 보입니다. 그런 식으로 자비로운 재미를 가장하는 것이 전적으로 선의가 아닌 것처럼 보이게 만드는 방식입니다.
괜찮은 현대 미술관이나 현대 미술관에 가면 아마도 마릴린 먼로나 마오 회장 또는 재키 오의 스크린 프린트 중 하나인 워홀이 있을 것입니다. 박물관에서 그들은 상점 외부에 걸려 있는 역사적인 무역 표지판과 같은 역할을 합니다. 물고기는 생선 장수를, 가위는 재단사, 안경은 안경점을 나타냅니다. 워홀의 그림은 종종 의미론적 기능, 즉 현대 미술의 사업을 나타내는 것으로 사라집니다. 또는 도슨트 가이드 투어에서 필수 스테이션 역할을 합니다. 여기 워홀이 있고 이것이 워홀이 중요한 이유입니다. 약혼은 반사적이고 여러 면에서 형식적이며, 아마도 그의 작품이 벽지와 같은 우리 박물관을 다루고 있다고 생각한다면 가이드는 '정확히'라고 말할 수 있으며 Andy도 벽지를 만들었습니다.
Marilyn's and Mao's and Jackie O's는 이제 모두 휘트니 미국 미술관의 거대한 워홀 회고전. 메인 쇼에서 떨어진 작은 갤러리의 벽지도 마찬가지입니다. 표면은 그의 밝은 색상의 소와 꽃으로 덮여 있습니다. 이 전시회는 5층 전체를 차지하며 3층에는 비디오 모니터 갤러리가 있고 1층에는 초상화 전용 갤러리가 있습니다. 휘트니 너머에는 또 다른 워홀 전시회가 있습니다. 뉴욕 아카데미 오브 아트 , 그의 그림 150점 이상 설치.
1989년 이후 미국 최초의 주요 워홀 회고전인 휘트니 쇼 현대미술관 전시는 연대순과 주제별로 19개의 장으로 구성되어 있습니다. 여기에는 피츠버그의 미술 학생과 뉴욕시의 상업 예술가로서의 워홀의 초기 작품이 포함됩니다. 신문을 기반으로 한 그의 그림과 그림; 그의 재난 이미지; 1960년대 초반부터 1965년 그림에서 은퇴할 때까지의 그의 고전적인 팝 이미지(이별보다는 변곡점에 가까움); 그의 영화, 비디오 및 미디어 벤처; 1986년 Camouflage Last Supper를 포함한 그의 크고 마지막 작품에서는 다빈치 걸작의 복제가 덮여 있지만 완전히 가려진 것은 아닙니다.
광고 스토리는 광고 아래 계속됩니다.Andy Warhol: A to B and Back Again의 여러 챕터는 가능한 Warhols의 배열을 제공하며 큐레이터 Donna De Salvo는 그의 노력과 상호 연결의 다양성을 강조하고 싶었습니다. 이것은 워홀을 인간화하려는 노력이고, 그의 팝 아트 명성의 쌀쌀한 투명함에서 그를 구출하고, 내가 이런 식으로 그림을 그리는 이유는 내가 기계가 되고 싶다고 말한 사람이 기계가 덜 기계적으로 느껴지도록 만들기 위한 노력입니다. 1989년 MoMA 쇼는 워홀의 고전적인 팝아트 시대를 집중 조명한 이후 게이 예술가, 미디어 예술가, 개념 예술가, 포스트모더니즘 철학자, 디지털 시대의 신탁, 단순히 실크 스크린을 만드는 기계가 아닌 뉘앙스와 느낌의 화가.
초대형 회고전은 일부 예술가에게 잘 도움이 되지만 다른 예술가에게는 그렇지 않습니다. 워홀의 독특한 풍요로움은 볼수록 더 깊어집니다. 비록 그가 가장 잘 알려진 팝아트는 고립되어 볼 때 단호하게 침묵하는 것처럼 보일지라도 말입니다. 그의 드로잉은 상업 이미지에 대한 그의 관심을 예시할 뿐만 아니라 실크 스크린 복제를 선택한 그의 손으로 그린 작업의 자연스러운 파생물처럼 보이게 하는 선과 모양의 시각적 증류를 위해 노력합니다.
여러 달러 지폐, S&H Green Stamps 및 Coca-Cola 병을 그린 초기 팝 그림은 통화, 유통 및 교환에 대한 아이디어에 대한 평생의 매력을 보여줍니다. Warhol의 1980년대 대형 형식의 Rorschach 오점 그림은 섬세하고 약간 잠정적인 잉크 드로잉을 만들기 위해 젊은 예술가였을 때 사용한 오점 선 기법을 회상합니다. 그의 초기 그림의 섬세함과 부드러운 유머조차도 나중에 공개적인 페르소나로서의 자기 발명과 연결되는 것 같습니다. 그들은 Enigmatic Andy Superstar가 건설된 수줍음의 기반에서 벗어나 은퇴하는 동시에 기발합니다.
주요 David Wojnarowicz 쇼는 예술가의 폭과 깊이를 탐구합니다.
휘트니의 몇 가지 큐레이터 결정은 워홀에 대한 성찰적 사고를 강화하는 경향이 있습니다. 성적으로 노골적인 이미지 시리즈(1979년 포트폴리오인 Sex Parts)는 대형 벽면 패널 옆에 조심스럽게 배치되어 쉽게 놓칠 수 있습니다. 이것은 워홀이 이 이미지를 개인적으로 유포하게 만든 동일한 동성애 혐오증에 대한 양보로 보입니다. 그리고 박물관은 1층에 25달러의 입장료를 내지 않고도 대중이 이용할 수 있는 한 갤러리를 워홀의 초상화에 할애했습니다. 그들은 살롱 스타일로 바닥에서 천장까지 매달려 있으며 그 수와 주제의 매우 절충적인 다양성(이란의 샤와 감상적인 아메리카 원주민 장면의 화가인 RC 고먼 포함)은 그들이 수행한 실용적인 역할을 강조합니다. 워홀의 비즈니스 모델에서 그는 그것들을 비즈니스 아트라고 불렀고, 그로부터 번 돈은 수익성이 덜한 벤처 사업에 보조금을 지급하는 데 도움이 되었습니다. 그러나 이 전시회가 워홀에 대한 대화를 얼마나 간절히 바꾸고 싶어하는지 고려할 때, 무보수 대중을 그의 가장 거래적이고 아마도 냉소적인 작업으로 제한하는 것은 이상해 보입니다.
광고 스토리는 광고 아래 계속됩니다.대규모 정치 컨벤션과 마찬가지로 대규모 회고전은 종종 지속 불가능한 에너지를 생성합니다. 기분 좋은 만남과 고결한 개혁에 대한 약속을 모두 마친 후 대표자들은 집으로 돌아가고 큰 변화는 없습니다. 이 야심차고 계몽적인 전시가 끝난 후에는 무엇이 남을까요? Camouflage Last Supper, 큰 Rorschach 이미지, 거대한 수평 Sixty Three White Mona Lisas를 포함한 Warhol의 후기 작품은 그의 말년에 대한 우리의 이해를 되살리며, 섹스 파트 이미지와 함께 드래그 퀸의 실크 스크린 초상화 세트를 포함합니다. , 동성애자인 뉴욕의 변두리에 숨어 사는 섹스리스, 처녀 Andy에 대한 신화를 없애는 데 도움이 됩니다.
그러나 예술가를 인간화하는 프로젝트, 특히 뉴욕 아카데미 오브 아트(New York Academy of Art)에서 볼 수 있는 프로젝트를 진정으로 발전시키는 것은 드로잉입니다. 여기에서 우리는 Whitney의 웹사이트에서 알 수 있듯이 Warhol 이전에 Warhol을 정의한 습관이 아니라, 종이에 직접 작업하는 것이 그의 경력 전반에 걸쳐 Warhol의 에너지를 위한 필수적인 배출구로 남아 있음을 알 수 있습니다. 그의 그림은 놀라울 정도로 자신감이 넘치며, 초기 학생의 진출에서 약간의 수정 또는 재고의 흔적만 보입니다.
워홀은 장 콕토(Jean Cocteau)의 그림을 연상시키는 스타일로 대담하면서도 우아한 남성(및 남성의 신체 부위) 초상화를 만들어 초기 성적 욕망의 힘을 통해 작업했으며, 그들의 친밀감은 워홀의 카논에서 거의 다른 것과 다릅니다. 이 작품의 매혹적인 부분집합은 휘트니와 아카데미 전시회 모두에서 볼 수 있습니다. 신체 부위, 특히 발, 다른 필수 워홀 스테이플(달러 지폐, 캠벨 수프 캔) 및 장난감 복엽기를 포함한 기타 물건과 섞입니다. 다른 그림들은 일본 판화에 대한 관심, 풍경 스케치에 대한 빠르고 확실한 손, 그리고 아이콘으로서의 총에 대한 늦은 관심을 포함하여 그의 공개 이미지에 대한 사적 명상을 암시합니다.
광고 스토리는 광고 아래 계속됩니다.휘트니의 오프닝 텍스트 패널에는 워홀의 인용문이 서문으로 포함되어 있습니다. 모든 사람은 자신만의 미국이 있습니다. . . . 그리고 당신은 예술과 슈말츠, 감정으로 맞춤 제작한 꿈의 미국에 살고 있습니다. 이 쇼를 방문하는 동안 진지하게 숙고할 가치가 있습니다. 부분적으로는 워홀의 미국에 대한 생각에서 동일한 아이콘에 대한 우리 자신의 관계에 대한 생각으로 강조점을 전환하기 때문입니다. 하지만 여기에는 워홀의 유산을 평가할 때 별로 고려되지 않은 단어인 감정도 포함된다. 예, 우리는 예술과 슈말츠, 그리고 그가 플레이한 게임에 대해 알고 있습니다. 그러나 뉴욕 아카데미의 그림에서 감정을 가장 뚜렷하게 감지할 수 있습니다. Warhol이 감정이 중요하고 그의 예술에 중요하다고 말한다면 우리는 누구를 무시해야 할까요?
앤디 워홀: A에서 B로 그리고 다시 3월 31일까지 Whitney Museum of American Art, 99 Gansevoort St., N.Y. 휘트니.org .
앤디 워홀: 손으로 3월 10일까지 New York Academy of Art, 111 Franklin St., New York. 냐아.edu .
베트남 전쟁이 끝난 지 수십 년이 지났지만 Smithsonian은 전체 전시회를 한 번도 본 적이 없습니다. 지금까지.
