A. Eva and Franco Mattes, Ceiling Cat, 2016. (Eva and Franco Mattes/Postmasters 갤러리 및 팀 갤러리)
에 의해 필립 케니콧 예술 및 건축 평론가 2019년 4월 8일 에 의해 필립 케니콧 예술 및 건축 평론가 2019년 4월 8일
SAN FRANCISCO — Snap+Share 전시회가 끝나면 샌프란시스코 현대 미술관 방문객들은 조잡하게 자른 천장의 직사각형 구멍에서 작은 고양이가 그들을 내려다보고 있는 것을 보게 될 것입니다. 이것은 Eva와 Franco Mattes의 2016년 작품 Ceiling Cat입니다. 그들은 박제 키티를 사용하여 인터넷에서 가장 인기 있고 지속적인 밈 중 하나를 재창조했습니다. Ceiling Cat is watch you라는 문구의 변형을 동반한 고양이 이미지입니다. . . .
원래 Ceiling Cat 밈은 10여 년 전에 Ceiling Cat이 당신이 자위하는 것을 지켜보고 있다는 태그 라인과 함께 등장했습니다. 그러나 그것은 온라인 문화의 일반적인 속도와 함께 변형되고 진화했습니다. 많은 반복 중에는 창조주로서의 천장 고양이(Ceiling Cat as God)가 있습니다. 성경의 lolcat 밈 번역에서 말하는 것입니다. 처음에는 no has lyte입니다. 천장 고양이 sayz, 나는 라이트를 헤이즈 할 수 있습니까? 라이트 우즈.
쇼의 다른 여러 작품과 마찬가지로 Mattes 조각은 인터넷의 무중력, 물질이 없는 환경에 주로 존재하는 물리적 무언가를 만듭니다. 그것은 우리의 소셜 네트워크에 숨겨진 감시와 통제의 어두운 면을 암시하면서도 이미지, 특히 밈을 찍고 공유하는 것을 중심으로 진화한 문화의 장난기를 모두 포착합니다. 이는 전시회의 주요 마케팅 이미지이기도 하며, 생각을 하게 하고 계몽하는 전시회 큐레이션의 몇 안되는 실수 중 하나일 것입니다.
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Ceiling Cat(작고 눈높이보다 높음)을 놓칠 수 있는 경우를 대비하여 박물관 벽에 작은 메모가 있습니다. 이 갤러리의 천장 중앙에 있는 예술 작품을 참조하세요. 사진은 허용될 뿐만 아니라 권장됩니다. 그것과 함께, 약간의 임계 거리가 무너지고, 냉정하게 조사되었던 것(지난 세기 반 동안 이미지를 전송하는 습관이 어떻게 진화했는지)이 갑자기 우리가 해야 하는 게임처럼 느껴집니다. Ceiling Cat의 사진을 찍기 위한 참여 초대는 특히 이 쇼에서 발생하는 근본적인 긴장, 즉 참여와 순응 사이의 긴장을 감안할 때 옳지 않다고 느껴집니다.
그러나 물론 오늘날 지구상의 어떤 박물관도 모든 사람이 인스타그램에 올리고, 트위터에 해시태그를 달고, Facebook에 셀카로 넘쳐날 것을 기대하지 않고 밈과 스냅샷, 소셜 미디어에 대한 쇼를 진행하지 않을 것입니다. 저항은 무의미하다.
Andy Warhol은 기계가 되고 싶다고 말했습니다. 그는 그렇지 않았다.
박물관의 수석 사진 큐레이터인 Clément Chéroux가 구상한 이 전시회는 우리의 현재 순간을 이미지 전파의 더 길고 복잡한 역사와 연결합니다. 19세기에 엽서가 등장하면서 시작됩니다. 엽서는 20세기 초까지 프랑스의 우편 시스템을 압도하여 매일 약 173,000장의 카드가 발송되었습니다. 1930년대까지 사진은 정기적으로 유선을 통해 이동했고, 유선 서비스는 전쟁, 재난 및 기타 불행을 포함한 세계의 뉴스를 우리의 거실로 가져왔고, 거리와 시간이 무너져 세상이 거의 즉각적으로 이용 가능하고 고통스럽게 친밀한 것처럼 보였습니다. .
빨간 가방 치킨 에어프라이어
20세기 중반, 컬러 엽서와 대중적인 사진은 세계의 관광 아이콘을 패스트푸드점처럼 친숙하게 만들었으며 수백만 개의 밝은 색상의 이미지를 순환했습니다. 그리고 전시회에는 프랑스 발명가 Philippe Kahn이 아마도 최초의 휴대폰 카메라 이미지를 대규모 네트워크에 전송하는 데 사용한 모토로라 플립 폰, 도시바 노트북 및 카시오 디지털 카메라가 포함됩니다. 불과 몇 분 전에 태어난 그의 딸의 거친 1997 디지털 사진은 약 2,000명의 청중에게 접수되었습니다.
수천 또는 수십억 명의 사람들이 즉시 이미지를 사용할 수 있게 한 이미지 제작의 혁명으로 실제로 무엇이 바뀌었습니까? 여러 면에서 아무것도 아닙니다. 사람들은 거의 사진이 발명된 이후로 메일을 통해 이미지를 보내왔고 우리는 셀카라는 단어가 발명되기 훨씬 전부터 우리 자신의 이미지를 배포해 왔습니다. 스냅샷과 현지어 사진에 집중해 온 수집가 Peter J. Cohen은 사람들이 아마도 자신의 사진 옆에 me라는 단어를 쓴 광범위하고 다양한 이미지를 수집했습니다. 이것은 수십 년간의 흑백 사진에 걸쳐 있으며 사진과의 관계에서 지속적이고 놀라운 일관성을 시사합니다. 우리는 사진을 사용하여 우리의 존재를 주장하고 세상에서 우리의 위치를 표시합니다. 그것은 이미지를 만들고 배포하는 수단이 진화해도 변하지 않았습니다.
광고 스토리는 광고 아래 계속됩니다.예술가들도 Facebook 및 기타 온라인 소셜 공간의 발명으로 소셜 네트워크 및 순환 이미지에 대한 아이디어를 발견하지 못했습니다. 예술가들이 우편물을 사용하여 전통적인 박물관이나 갤러리와 독립적인 순환 패턴을 만들고 협력적인 이미지 생성을 초대하는 우편 예술 운동은 21세기 스냅 및 공유 세계보다 오래 전에 시작되었습니다. 쇼에서 시각적으로 가장 인상적인 작품 중 일부는 골판지 상자에 작은 핀홀 카메라를 만들어 스펙트럼 및 우연한 사진을 수동적으로 기록하는 독일 우편 시스템을 통해 보낸 독일 예술가 Thomas Bachler의 작품입니다. 그것들은 잊혀지지 않을 정도로 아름답고 약간 의료 이미지처럼 보입니다. 흐릿하고 회색에 이상한 튜브와 선과 유기 물질로 보이는 실이 그들을 관통하고 있습니다.
그러나 다른 면에서는 그 변화가 거대하고 너무 만연하여 그것을 검토하는 것이 거의 불가능합니다. Erik Kessels의 잘 알려진 설치 작업인 24HRS in Photos는 소셜 미디어에 24시간 동안 업로드된 사진을 인화한 거대한 더미로 만들어졌습니다. 이번 전시를 위해 리메이크 되어 바닥에 쌓인 그림과 벽을 타고 올라가는 그림이 가득하다. 처음에는 휴대폰 카메라와 디지털 사진으로 가능해진 엄청난 양의 이미지에 대한 경고가 불길해 보입니다. 그러나 사진은 쓰레기를 거부하는 기이하게도 매력적이며 아름다운 사람들, 햇살 가득한 해변, 노는 아이들, 그리고 우리가 기록하고 노출하는 것을 멈추지 않는 나머지 모든 일상 생활에 눈을 끕니다.
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달라진 것은 이미지의 양만이 아니다. 사람들, 특히 젊은이들은 이제 자신의 생각과 감정을 표현하기 위해 말 대신 그림을 보내 이미지로 말하거나 대화합니다. 그리고 스마트폰에 대한 우리의 의존이 어떻게 병적, 즉 주의를 분산시키고 실제 사물 및 실제 사람에 대한 우리의 관계를 산만하게 만드는 중독이 되는지에 대한 인식이 커지고 있습니다. 아티스트 Kate Hollenbach는 phonelovesyoutoo라는 비디오 작업에서 이것이 수반하는 심리적 변화를 암시합니다. 이 작업에서 그녀는 휴대전화를 조작하여 휴대전화를 사용하여 약혼할 때마다 동영상을 녹화하고, 메일을 확인하거나, 웹 서핑을 하거나, GPS 기능을 사용합니다. 그 결과 밝고 어두운 공간, 아침, 정오, 밤, 침대, 거리, 건물 사이를 걷다, 역 감시의 자체 부과 형태에서 같은 얼굴의 작은 비디오 매트릭스가 생성됩니다. 이 방 크기의 이미지 격자의 감정적 가치는 초조함, 초조함, 초조함, 방향이 없는 에너지 및 불협화음 중 하나입니다.
그런 다음 Hollenbach의 연상시키는 비디오 바로 다음에 나오는 Ceiling Cat이 있습니다. 박물관 세계를 위한 좋은 대화 시작 도구이자 이와 같은 전시회의 위험과 기회에 대해 생각하는 방법입니다. 미술관은 시각문화의 변화뿐만 아니라 사회적, 기술적, 심리적 변화까지 포함하는 Snap+Share와 같이 광범위하고 복잡한 주제를 다룰 수 있는 기관입니다.
광고 스토리는 광고 아래 계속됩니다.그러나 항상 주제에 너무 얽힐 위험이 있습니다. 문화 기관은 인터넷의 회로를 통해 흐르는 것처럼 보이는 종류의 에너지를 갈망합니다. 그들은 이러한 이미지 제작 및 배포 시스템으로 성장한 청중을 갈망하고 디지털 골드 러시로 재산을 얻은 사람들의 돈을 갈망합니다. 또한 박물관 전문가들 사이에서는 드문 일이 아니지만 Snap+Share와 같은 쇼에서 탐구한 세계를 미래로 보는 경향이 있으며, 모두가 미래에 속하기를 원하기 때문에 기술에 대한 일종의 암묵적 지지가 있습니다. 그것과 함께 그 배후의 산업에 대한 암묵적인 지지.
작은 일이지만 이 전시는 관객을 초대하지 않았다면 더 강렬했을 것이다. 천장 고양이는 예술 작품으로서 생각하는 초대입니다. 그러나 방문자를 초대하여 천장 고양이 조각을 인터넷 밈으로 다시 비물질화함으로써 큐레이터는 이렇게 말하는 것 같습니다. 쇼의 비판적 분리는 우스꽝스러운 웃음과 기분 좋은 분위기로 대체됩니다. 이 전시회는 오래된 현상에 대한 역사적 관찰(다른 사람들에게 세상에 우리의 존재를 알리고자 하는 우리의 필요성)과 기술이 우리의 내적 삶과 사회적 관계를 어떻게 변화시키고 있는지에 대한 명쾌한 관찰 사이에서 현명하게 균형을 이룹니다. 그러나 Ceiling Cat과 사진을 찍어 세상으로 보내라는 다른 초대와 함께 쇼는 마지막에 소셜 미디어 문화에 대한 우리의 불안을 억제하는 마법 같은 생각에 굴복합니다. 우리가 그것을 치료하면 무해합니다. 조금 아이러니하게도.
진정으로 급진적인 쇼는 우리를 그렇게 쉽게 포기하지 않을 것입니다. 그것은 사람들이 스냅과 공유가 우리에게 무엇을 하고 있는지 탐구할 수 있을 만큼 충분히 오래 스냅과 공유에 대한 충동을 뒤로 하고 떠날 것을 요구했을 것입니다.
스냅+공유 8월 4일까지 샌프란시스코 현대미술관에서. sfmoma.org .
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